Helena Gura

Une chose en a entraîné une autre. J’ai commencé mon parcours en tant qu’artiste plasticien en étudiant les arts visuels à la Faculté des Beaux-Arts de São Paulo (2002-2006). Plus tard, en 2011, j’ai obtenu un diplôme de troisième cycle en design d’intérieur à la FAAP (Fundação Armando Alvares Penteado), également à São Paulo. Cependant, mon intérêt pour l’art a commencé bien plus tôt : dès l’école primaire, la matière qui me captivait le plus était l’éducation artistique. Avant de commencer ma formation académique, j’ai fréquenté différentes écoles d’art et de dessin et, au début des années 1990, j’ai commencé à créer mes premières peintures à l’huile. En tant qu’artiste plasticien, j’ai développé la curation d’espaces dans un bureau d’architecture, où j’étais responsable de la sélection d’œuvres d’art pour des espaces privés. Peut-être ai-je envisagé la possibilité de devenir architecte car, en tant qu’artiste, je reviens toujours à des thèmes architecturaux qui continuent de me fasciner profondément.

La période que j’ai vécue en Italie a été fondamentale pour ma carrière. Ma passion pour les arts, moteur de mes désirs et de mes aspirations, m’a emmené dans ce pays où j’ai le sentiment d’avoir perfectionné ma vocation d’artiste. J’ai vécu cinq ans entre Rome et Milan et j’ai eu le privilège d’explorer une grande partie du pays, en plus de vivre directement avec un collectionneur d’art renommé. Pendant cette période, j’ai suivi plusieurs cours pratiques d’art, tels que la décoration picturale, la peinture à fresque, les peintures murales, les mosaïques et les vitraux – les techniques ont une grande influence sur mon travail, car je continue de les appliquer encore aujourd’hui.
En Italie, tout me fascine. L’art et l’architecture se confondent si parfaitement qu’il devient impossible de les séparer.

D’une certaine manière oui. Mes grands-parents paternels sont polonais et je suis né et j’ai grandi dans la région sud du Brésil, dans l’État du Paraná, où prédominent les immigrants polonais, ukrainiens, allemands. Je suis allé plusieurs fois aux États-Unis, j’aime ce pays et les artistes américains : Edward Hopper, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Alexander Calder, Jackson Pollock et le minimalisme de Dan Flavin et Frank Stella, mais j’avoue que j’ai une plus grande affinité avec les mouvements artistiques d’Europe.
Sur le plan artistique, je m’intéresse principalement à l’héritage du modernisme et aux mouvements de l’époque: le constructivisme de Tatlin e El Lissitzky , le suprématisme de Malevitch, le néoplasticisme de Mondrian réduit à des formes géométriques, le cubisme de Picasso, Wassily Kandinsky et son art, Josef Albers, aussi un artiste que j’admire beaucoup, notamment pour son travail et son étude des couleurs.
En architecture, je préfère le style moderniste/minimaliste. L’école Bauhaus a certainement une influence sur mon travail, en mettant l’accent sur la fonctionnalité, les formes pures, abstraites et simples. L’architecture moderniste est considérée par beaucoup comme froide, sobre et simple, mais pour moi, c’est dans la simplicité que le modernisme devient plus démocratique, sans prétention, et accessible. J’admire beaucoup Le Corbusier, Oscar Niemeyer, Lina Bo Bardi, Luis Barragán et Ricardo Bofill. Dans le minimalisme, j’ai une grande admiration pour l’architecture de Tadao Ando et la manière dont l’architecte travaille la lumière naturelle.

Oui. Mon voyage en Australie en 2000 a été très important. J’ai visité plusieurs ateliers et galeries qui présentaient des œuvres d’artistes aborigènes. J’ai été profondément ému en regardant ces artistes créer leurs peintures. Ce fut une expérience révélatrice ; j’étais fasciné par la technique pure, simple et ordonnée avec laquelle ils créaient leurs œuvres. Assis par terre, avec de petits bâtons, ils peignent d’immenses toiles, composant « point par point », donnant lieu à des œuvres extraordinaires et expressives. Cela m’a fait penser au « pointillisme ».

Actuellement, ils ont incorporé certaines de leurs figurations traditionnelles – par exemple les animaux, les histoires de chasse et les liens avec la terre – et ont amené leurs techniques artisanales /ancestrales du simple faire, vers un territoire d’art contemporain, avec d’autres designs, plus proches de l’abstraction. Sans abandonner leurs techniques, ils opèrent une transition vers la modernité. La technique aborigène m’a captivé et, depuis, je l’ai intégrée à mon répertoire créatif.

Oui, en tant que peintre, je suis passée par différentes phases, mais la peinture abstraite est celle qui me captive le plus. L’abstraction me donne la liberté et la possibilité d’explorer et d’exprimer mes émotions, aspirations et inspirations, sans avoir besoin de représentations réalistes. Mon objectif avec la peinture abstraite n’est pas seulement de nier l’apparence extérieure de la réalité, mais de créer un portail pour l’exploration intérieure, permettant à chaque spectateur, lorsqu’il entre en contact avec l’œuvre, d’avoir sa propre interprétation. L’art abstrait nous offre cette opportunité. J’aime détacher mon travail de toute intention réaliste et éviter l’évidence.
Même lorsque mes œuvres ont pour thème l’architecture, je préfère les dé-caractériser, en privilégiant les lignes droites, les escaliers et les angles. La lumière et les plans sont fondamentaux. Cela fait réfléchir le spectateur. J’ai parfois pour référence Giorgio de Chirico, qui a inséré dans ses œuvres des éléments de la mythologie grecque dans des environnements dont ils ne faisaient pas partie, et Edward Hopper, qui, avec son style réaliste, dépeint la subjectivité, la solitude urbaine et la stagnation de l’homme dans l’époque contemporaine. Dans mes œuvres, je représente un espace vide, et l’idée est que le spectateur regarde ce vide et essaie de le remplir avec son imagination, devenant ainsi l’architecte de cet espace.

Dans le processus de création de mes œuvres, les techniques et les formes changent et s’améliorent constamment. C’est un cycle continu, où les approches évoluent, changent, s’alternent et s’intercalent. Dans l’une de ces phases, ma production s’est démarquée par les couleurs vibrantes et fortes de l’abstractionnisme abstrait, reflétant mon énergie et ma vivacité.
Quant à l’utilisation des couleurs, j’applique rarement des couleurs pures. Ce qui m’intéresse dans la relation entre les couleurs, ce n’est pas tant le contraste, mais leur gamme. Je préfère les combinaisons de couleurs analogues et non disparates. Toutes les couleurs que j’utilise ont un riche mélange de teintes, de saturations et de nuances, toujours obtenues à partir d’une teinte et en mélangeant une couleur de valeur élevée avec une autre de valeur beaucoup plus faible. Mes œuvres ont rarement plus de quatre couleurs.

Oui. Tout au long de mon parcours, j’ai également produit des œuvres qui suivent une ligne conceptuelle. Un exemple est le Livre sans lettres, qui consiste en un livre dont les pages ont été brûlées par le feu. Le récit est créé par le spectateur, sur la base des images et des sensations évoquées par l’objet.
Le livre ne contient pas de mots, de lettres ou de phrases, éléments attendus par un lecteur. L’idée selon laquelle l’absence de mots n’est pas une limitation, mais plutôt une opportunité pour le public de créer ses propres récits et significations. La gravure des pages ajoute une couche de symbolisme, évoquant les thèmes de la destruction et de la re-création, tout en stimulant l’imagination.
Ce qui se matérialise est un paradoxe : il y a un livre, mais il n’y a pas de mots. Cela ouvre de nouvelles possibilités pour apprécier et interpréter le contenu du Livre sans lettres, défiant la recherche de nouvelles catégories de pensée, de surprises, d’incertitudes et de découvertes. Le “Livre sans Lettres” devient un vecteur pour reconstruire les liens imaginaires de l’individu avec l’esthétique et l’élaboration du contenu de l’œuvre.

Ma formation en design d’intérieur a beaucoup ajouté à ma vie et à ma carrière, générant des opportunités dans le secteur de l’architecture et de la décoration d’intérieur. Pendant plus de dix ans, j’ai créé plusieurs œuvres sur commande, explorant différents styles et techniques à la demande des clients, mais les œuvres que j’ai produites ne reflétaient pas mon style et ma personnalité. Cependant, même si j’aimais beaucoup la décoration intérieure, j’ai réalisé qu’il était impossible de continuer dans les deux domaines, car les exigences et les commandes exigeaient beaucoup de mon temps en tant que peintre. J’ai donc dû faire un choix difficile : j’ai décidé de me consacrer à 100% à l’Art, car c’est ce qui m’émeut, me nourrit et me permet d’exprimer ce que je ressens. Quoi qu’il en soit, l’art me rend plus fort.