Quand le bijou devient sculpture  

La plupart des pièces commencent comme des explorations de formes sculpturales. Je ne sais jamais vraiment quel sera le résultat final : il y a toujours quelque chose d’inattendu et cette surprise, je l’espère, est transférée à la personne qui porte le vêtement lorsqu’elle s’engage physiquement avec la pièce.

Mon intérêt pour le vide en tant que support sculptural est né de mon attirance pour la philosophie du zen et du concept de « l’esprit vide », dans lequel nous sommes libérés de l’illusion d’un moi séparé et pouvons comprendre l’interconnexion de toutes les choses. Lorsque j’introduis le vide dans l’œuvre – un moment de repos dans l’œuvre – il devient d’autant plus puissant que nous nous concentrons intensément sur la ligne contrastée du matériau, analogue aux pauses rythmiques d’une composition musicale. Pour moi, le désir – dans la fabrication et le port – vient du fait que nous nous arrêtions et que nous écoutions ; nous sommes attirés hors de l’activité en cours d’un monde chaotique.

Le concept de jeu est tout aussi important dans ma pratique. La sculpture de cou Articulation, par exemple, est composée de pièces linéaires segmentées en argent recyclé – chaque fois qu’elle est placée autour du cou, ses branches métalliques s’inclinent de manière tout à fait unique, animées par le corps, le mouvement et les choix de la personne qui la porte ; croisée plusieurs fois sur elle-même ou tordue dans une direction surprenante, elle devient à nouveau une nouvelle pièce.

J’explore d’abord les formes à l’aide de fils en acier, qui sont ensuite traduits en une maquette en laiton. Je porte cette maquette pendant des mois – j’interagis et je joue avec elle, je comprends sa personnalité, je la guide par de minuscules ajustements au fur et à mesure que je l’expérimente sur mon corps, jusqu’à ce que mon intuition me dise que je suis prête à réaliser la pièce de joaillerie finale.

Ensuite, je travaille pendant de nombreuses heures ininterrompues dans l’atelier ; sur la base de la connaissance intime de la forme de la maquette, je rassemble un flux d’énergie doux et dynamique dans la fabrication – qui s’apparente à la pratique de la calligraphie. Cela devient un acte intuitif, presque méditatif.

Chaque pièce est sculptée à la main de cette manière, ce qui fait que même au sein d’une série, chacune devient une sculpture miniature unique et portable, avec son propre caractère.

En tant qu’artistes, nous transformons les matériaux en histoires et en significations, en objets qui vous font penser et ressentir. Pourtant, nous oublions souvent que les matériaux ont leurs propres histoires, leurs propres réalités historiques, environnementales et sociales.  La provenance soigneusement choisie de mes matériaux est à l’origine de la beauté profonde de chaque pièce.

En tant qu’économiste politique devenue journaliste puis joaillière, j’ai été l’une des premières au monde à travailler avec de l’or entièrement traçable, certifié et issu du commerce équitable. C’était en 2011. Il est encourageant de constater que l’éthique dans la joaillerie est en train de devenir une pratique acceptée par un groupe de plus en plus large de fabricants, qui s’attaquent à cette question complexe et épineuse avec la recherche et l’engagement qu’elle mérite.

Malheureusement, le « green-wash » s’est généralisé.  Vous trouverez une mine d’informations pratiques sur les choix éthiques en matière de bijoux, tant pour les clients que pour les bijoutiers, sur mon site web.

Nous avons notre mot à dire dans ce récit – jouer, innover, communier, rechercher un moment de repos, afin de réfléchir à l’interconnexion d’un univers bien plus grand que nous.

Cette question m’amène à rendre hommage à mon professeur Pierre Belves qui nous enseignait les samedis aux ateliers de l’Union Centrale des Arts Décoratifs du Louvre. Sa pédagogie m’a appris à poser le regard, à percevoir les affinités qui relient les êtres et les choses. Parfois, les élèves du cours des moins de quinze ans dont je faisais partie, partaient à sa suite visiter le musée des arts décoratifs. Nous regardions avec le même intérêt les miniatures en ivoire du moyen âge, les faïences animalières de Bernard Palissy, les châsses empierrées ou bien quelques belles tapisseries.

Chaque samedi, nous avions un diaporama des grandes expositions en cours. Durant des années, j’ai absorbé cette nourriture artistique. Je pratiquais un peu le modelage, beaucoup le dessin, la gouache, la gravure… et mon imagination. Naturellement, je me suis mis à voir en trois dimensions tout ce que je faisais. Dès cet instant, dessiner et modeler un bijou devenait évident mais je ne le savais pas encore.

Plus tard, j’ai alors accompagné mes séries de peintures par des motifs en relief inspirés soit par des thèmes figuratifs (animaux, feuillages, empreintes), soit par des thèmes abstraits (volutes, gravures, multiples) autant de bijoux inédits qui ont fini eux aussi par influencer mes peintures.

En réalité, j’ai découvert que dans la pratique artistique, c’est autant l’artiste qui travaille la matière que la matière qui travaille l’artiste. Sans cette sorte de dialogue, rien ne se fait vraiment.

On raconte cette histoire du peintre chinois qui, une fois son encre achevée, monte dans la barque peinte et disparait sur le fleuve en papier. Ainsi, quelque soit le matériau utilisé, celui-ci ‘’prend’’ un peu de vous à chaque fois et la restitution de l’offrande prend la forme de l’œuvre, quelqu’en soit la dimension.

La cire, par exemple, est une matière inépuisable qui prend beaucoup et rend beaucoup. Une fois fondue, donc disparue, la cire est devenue métal qui se prête alors à une finition, un rendu qui parachève le travail de l’artiste. La cire est neutre, elle accepte toutes les propositions et surtout toutes les intentions. Elle se charge progressivement de celles-là. Sa manipulation est donc à prendre avec certaines précautions.

Plus elle est estimée et plus le bijou devient beau.

Peut-être est-il d’abord nécessaire de ressentir un besoin impérieux de sculpture pour qu’elle décide d’apparaître. La gravure m’a entrainé à voir en petit ce que j’imaginais en grand. C’est pour cette raison, sans doute, que j’aime façonner mes manchettes comme s’il elles étaient de petites sculptures organiques qui se développent en ‘’famille’’.

Un bijou n’est généralement pas une sculpture car il n’est pas pensé pour le devenir, il répond à certaines contraintes techniques (le sertissage, la portabilité…) qui lui sont propres. Il est de petite taille et il le restera. Pour devenir sculpture et bijou, il faut apprendre le sens du rythme, de l’équilibre, du déséquilibre, du plein et du vide mais aussi voyager sans cesse entre deux états, le petit et le grand.

Une sculpture a besoin d’avoir en elle les qualités d’un bijou, l’élégance d’une forme heureuse, un style, une finesse d’inspiration et un peu de magie, mieux vaut lui éviter la grandeur d’un tyran ou d’un Goliath.

Paradoxalement, c’est la peinture grand format qui m’a donné la facilité de créer des bijoux. Réduire le fond et la forme d’un grand tableau de manière à projeter son énergie dans une petite sculpture portable est ce qui m’a permis de créer ces nouveaux ensembles qui rassemblent plusieurs centaines de prototypes depuis 1987.

Sylvie est à l’origine de la création de nos bijoux d’artistes. C’est à elle que nous devons leur histoire. Peu à peu, un travail à quatre mains a pris forme, une alliance sans parole, ni mots de trop. Deux cœurs qui travaillent depuis près de quarante ans portés par la joie et le plaisir de faire naître des formes belles et surprenantes au service d’un art immémorial.